1 + 1 Design Gráfico

A exposição 1+1 Design Gráfico João Machado + José Brandão esteve esta semana em destaque no Diário da Câmara Clara, aqui fica o link.

Museu Virtual do Design Português

Uma das consequências positivas do crescimento do contexto académico de design, nomeadamente o grande aumento do número de alunos de mestrado e doutoramento ao longo da última década, foi o aparecimento de trabalhos sobre história do design em Portugal.

Algumas teses resultaram já em publicações, como o recente Design Gráfico em Portugal de Margarida Fragoso; inúmeras outras podem ser consultadas on-line, mostrando uma particular atenção aos estudos monográficos (Sebastião Rodrigues, António Garcia, Maria Keil, Fred Kradolfer...).

Continuando a faltar um trabalho de outro fôlego, capaz de apresentar de forma mais sistematizada a história do design português (que Maria Helena Souto começou a contar mas detendo-se, para já, no início do século XX), ainda assim com muita regularidade surgem trabalhos e projectos interessantes.

O Museu Virtual do Design Português é um desses projectos interessantes. Desenvolvido no contexto do curso de design da Universidade de Aveiro e aproveitando o trabalho de pesquisa dos alunos da unidade curricular de história do design português, apresenta-nos um arquivo em permanente actualização. Se consultado hoje, várias são as ausências que se fazem notar (faltam lá TOM, Manuel Rodrigues, Câmara Leme e muitos outros), diversos são os designers referenciados mas sobre os quais falta enquadramento (veja-se o exemplo de Victor Palla) mas estas lacunas, sobretudo num projecto em progresso, nada anulam ao mérito da iniciativa.

Da minha parte, espero que este Museu Virtual possa continuar a crescer: em obras, em informação e em público.

Conversas

Há quase dez anos organizei uma longa série de conversas na Casa d’ Os dias da água que funcionava no belo palacete na Estefânia onde antes tinham estado os CTT.

Os encontros chamavam-se Múltiplas Percepções  aconteciam aos domingos ao fim da tarde e prolongavam-se pelo tempo da conversa. Cada sessão reunia em torno de um determinado tema um conjunto de vozes diferentes e entre muitos, muitos outros comigo por ali conversaram Eduardo Prado Coelho, Olga Roriz, André Sier, Nuno Grande, Natxo Txeca ou Gonçalo M. Tavares. As conversas eram abertas e verdadeiramente não havia público, no sentido da separação entre intervenientes e espectadores, recordo-me de todos serem igualmente interessados e participativos.

No final as conversas prolongavam-se, com frequência, à mesa de jantar ou num bar no bairro alto na companhia do Francisco Rocha, da Catarina Crespo, dos amigos da Sonda Design e de mais alguém que a nós se juntava.

Na altura, como em certa medida ainda hoje, reconheço que a ideia da estética relacional do Bourriaud me atraía com uma carga afectiva que me retirava lucidez crítica. Na verdade, gosto de construir comunidades, gosto de economias de afectos, gosto da produção imaterial que situações de convivialidade, encontro e conversas, propiciam.

Gosto por isso muito, mesmo não conhecendo muito, das Conversas que a Constança Saraiva e a Mafalda Fernandes vêm suscitando; gosto do que nelas é projecto e do que nelas é projectado; gosto do que elas provocam e promovem; de como motivam e revelam motivações; e também ideias, convicções e interrogações. E gosto muito do projecto editorial que nos transmite o espírito, a forma e o conteúdo, da autoria da excelente Isabel Lucena.

Este tipo de projectos de iniciativa própria tornaram-se frequentes, nos 90’s e no início deste século, em países como a Holanda ou o Reino Unido onde era fácil a iniciativa própria ser financiada pelo estado e ancorada no contexto de uma estrutura independente – estúdio de design ou galeria – quando não mesmo de uma escola. Também na Holanda os corte na cultura têm sido dramáticos, mas ficou a educação para um determinado tipo de projectos culturalmente envolvidos produzidos por designers.

Em Portugal, os apoios sempre foram mínimos e hoje são virtualmente inexistentes. Também por isso projectos de iniciativa própria como estas excelentes Conversas não fazem parte deste país governado pela Troika e que não reserva à cultura sequer um ministério; estes projectos fazem parte de uma realidade alternativa, eles afirmam um outro contexto, apontam para uma outra economia, rasgam uma outra possibilidade de futuro.

Era uma vez um design reader

Há cerca de um ano foi publicado um reader de design que eu organizei. Embora tenha aparecido em alguns escaparates de livrarias, a publicação passou no meio da maior discrição, nenhuma recensão lhe foi feita, nenhuma crítica ou elogio, nenhuma discussão gerou.

Esta antologia de textos, surgiu como um número da Revista de Comunicação e Linguagens que o CECL edita desde 1985. Mais do que formato de revista, os volumes são livros (com cerca de 300 páginas) com ensaios, em regra, densos e estimulantes. Graficamente as RCL são áridas e desinteressantes – textos longos justificados, em Garamond, sem imagens e com notas condensadas no fim do documento – mas não atrapalham a leitura.

A desatenção a que esta obra foi votada merece uma pequena reflexão. O simples facto de surgir, no paupérrimo meio editorial português, um livro de crítica do design deveria suscitar algum interesse, mas na verdade começamos a notar que muitas vozes fazem mais alarido à ausência do que à presença das coisas. Queixamo-nos a alta voz que não existem livros, nem exposições, nem revistas, nem eventos de design mas quando, por fim, eles surgem (e nos últimos tempos têm surgido) as mesmas vozes que se queixavam assobiam para o lado e encontram renovados motivos para se queixar.

Neste caso, a desatenção surpreende-me, por três razões:

Em primeiro lugar, por ser o reader um dos géneros editoriais mais explorados no campo do design na última década e meia. Na verdade, a recente teoria do design assentou na publicação de readers – sobretudo, desde 1994, com a série Looking Closer  - e na forma como se fez o arquivo da produção teórica em design do final do século XIX até à actualidade. Este interesse pelo reader não surpreende, ele permite a designers que trabalham com texto explorarem princípios tipicamente de projecto: edição, montagem, arquivo, etc.

Em segundo lugar, por este ser apenas o segundo livro, dentro deste género, a surgir em Portugal, o primeiro havia sido Design em Aberto (1993) organizado por Ana Alçada, Fernando Mendes e Martins Barata.

Em terceiro lugar, embora advogue em causa própria, pela qualidade da publicação, reunindo um conjunto de textos, na sua grande maioria inéditos, muito importantes para a compreensão de temas e debates que marcaram (marcam) o campo do design contemporâneo.

Organizado em torno de quatro noções-chave – Teoria; História; Ideologia; Tecnologia – reunia um conjunto diversificado de perspectivas críticas de autores como Bernard Stiegler, Andrew Blauvelt, Mark Wigley, Heitor Alvelos ou Andrew Howard.

Talvez este levantar da questão acerca do porquê do livro ter sido um não-acontecimento ainda possa ajudar a que alguma explicação apareça.

1 + 1 Design Gráfico

http://www.esad.pt/pt/eventos/11-design-grafico-joao-machado-jose-brandao

1.

No prefácio à primeira edição da História do Design Gráfico, Philip B. Meggs evoca uma palavra que não possuí equivalente em português: Zeitgeist. Ela significa o espírito de uma época e refere-se a marcas e tendências que caracterizam um determinado tempo. O carácter imediato e efémero do design gráfico e a sua particular modelação pelo contexto social, tecnológico e económico de uma determinada cultura permite que ele expresse esses sinais do tempo de uma forma mais plena do que, possivelmente, qualquer outra produção humana.

Esta absoluta sintonia com o presente, que geralmente caracteriza o trabalho gráfico e nos permite com ele contactar e dele usufruir quotidianamente – nos cartazes, nos mapas ou nas capas dos discos – associada ao carácter facilmente reprodutível, torna o design, precisamente por essa proximidade, num objecto de estudo específico e difícil, em relação ao qual, de cada vez, é preciso construir o necessário distanciamento crítico.

O método de analisar, arquivar ou expor um objecto artístico, em particular o  modelo monográfico típico da história e da curadoria da arte, não será o mais adequado ao objecto de design na medida em que o design se caracteriza por uma negociação entre produção autoral e adequação ao programa definido pelo cliente, entre funcionalidade e poética, entre imediaticidade e memória, entre liberdade criativa e constrangimentos determinados por prazos, orçamentos, materiais e ferramentas técnicas.

Será a análise comparativa, mostrando-nos como dois designers, num contexto idêntico, resolveram de formas distintas desafios semelhantes, o modelo que melhor permitirá não só evidenciar características processuais específicas do projecto gráfico como destacar a dimensão autoral que lhes está associada, simultaneamente: identificar e diferenciar.

2.

O design gráfico em Portugal não nasceu com Sebastião Rodrigues, mas teve certamente neste autor, na credibilização da profissão que o rigor e sensibilidade do seu trabalho proporcionaram, e no reconhecimento internacional, um momento de viragem que ocorre, também, num período de mudança cultural e política do nosso país.

Ao fazer a transição entre o Portugal do Estado Novo e a realidade gerada com o 25 de Abril de 1974, Sebastião Rodrigues (tal como Victor Palla ou Armando Alves) faz a transição entre duas gerações, aquela que o antecede, a dos pioneiros do design gráfico português (como Fred Kradolfer ou Manuel Rodrigues) e aquela que lhe sucede, a do novo design português onde se destacam José Brandão em Lisboa e João Machado no Porto.

Os ateliers dirigidos por José Brandão e João Machado representaram, sob várias perspectivas incluindo a comercial, a expressão maior da prática do design no contexto do Portugal democrático consolidada num território traduzido, desde logo, nos seus clientes – clientes da grande Lisboa no caso de Brandão do grande Porto no caso de Machado.  No entanto é, sem dúvida, limitador pensar a importância destes dois autores circunscrevendo-os a um contexto regional ou mesmo nacional. Pelo contrário, o que se destaca é a forma como o seu trabalho acompanha as novas linguagens internacionais, como elas dialoga e as interpreta e, como, bem cedo, as representa, nomeadamente Machado cujo trabalho, desde muito cedo, conhece forte visibilidade internacional.

Neste sentido, a exposição 1 + 1 Design Gráfico pode começar por ser vista como uma seleção vasta de trabalhos de dois dos mais importantes designers europeus dos últimos 50 anos.  

Brandão nasceu em Nova York e formou-se em design gráfico em Londres, trabalhou no atelier Joubert em Paris e com Keith Cunningham em Londres, na capital britânica viria a chefiar o gabinete de design da sede do Imperial Group e a leccionar no Hammersmith College of Art and Building. Machado é dos designers contemporâneos mais expostos e publicados internacionalmente, tendo recebido, para além de inúmeras outras distinções,  o Prémio Excelência da Icograda; o seu trabalho foi exposto individualmente na Alemanha, França, Espanha, Canada, México, Brasil, Dinamarca ou Japão, incluindo na DDD Gallery em Osaka e largamente publicado (Design Journal, Creative Edge, Graphis, Print Magazine entre muitas outras).

Sucede serem este dois designers ambos portugueses, e se esse facto não é irrelevante não encerra a sua importância dentro das fronteiras nacionais. Com uma obra vasta, há muito consolidada, inovadora e fortemente autoral, João Machado e José Brandão podem ser colocados na galeria dos maiores designers europeus, a par de nomes como colocar Pierre Bernard, Uwe Loesch, Alan Fletcher, Holger Matthies, Pierre Mendell, Niklaus Troxler ou Leszek Wisniewski.

3.

João Machado (Coimbra, 1942) formou-se em Escultura na Escola de Belas Artes do Porto. O contacto com professores como Lagoa Henriques exercitou-lhe o rigor e precisão do desenho mas seria o contacto com outros universos gráficos (a Pop Art, os cartazes polacos e o design gráfico japonês) e uma insaciável vontade de criação e experimentação que viriam a definir uma linguagem única que se consolidou num processo de evolução formal (desenho; aerógrafo; colagem; design digital) e conceptual não deixando de partir de um conjunto de referências recorrentes (o design vernacular português, com os seus motivos icónico-folclóricos, e um conjunto de influências internacionais (como a técnica de colagem de Tomaszewski) ancoradas num universo autoral próprio.

José Brandão (Nova York, 1944) formou-se em Design Gráfico em Londres (1970) depois de ter passado, muito jovem, pelas Belas Artes e pelo Curso de Design Básico na Bauhaus portuguesa que Daciano da Costa havia imaginado. A expressividade do seu traço e a densidade conceptual do seu universo como ilustrador encontram a síntese num trabalho de design gráfico erudito, tão atento à ilustração como à fotografia, ao lettering como a questões de grelha, indo beber influências ao grafismo britânico e norte-americano (Geoff White, Richard Hollis, Keith Cunningham, Push Pin Studios) quer ao rigor técnico e atenção ao detalhe apreendidos no convívio próximo com Sebastião Rodrigues.

4.

Como descrever, em traços simples, a exposição 1 + 1 Design Gráfico? Podemos começar por pensar duas exposições autónomas, única forma possível de comunicar dois universos criativos distintos.

A Exposição João Machado Design Gráfico parte de um núcleo expositivo central constituído por trabalho recente, desenvolvido ao longo da última década, tendo como suporte preferencial o cartaz mas envolvendo outros suportes e formatos, seja de forma mais recorrente (selos e livros) seja mais ocasional (o design de produto).

Cartazes como os do International Year of Forests (2011) e Japan - From Great Earthquake to Recreation (2011) permitem identificar clientes (na sua maioria internacionais) e temas do trabalho recente, ao mesmo tempo que evidenciam uma impressionante largura sintática e semântica do trabalho: da simplicidade minimal do cartaz Japan, à foça icónica da ilustração digital dos cartazes do Year of Forests ou das Comemorações do 25 de Abril (Almada, 2012), à densidade do desenho no díptico Save the Life/Water for Life. O percurso expositivo que nos faz chegar aqui apresenta-nos um conjunto diversificado de trabalhos, mas também elementos de processo, estudos e artes finais.

Nas ilustrações do final dos anos 70 e início de 80, feitas a Rotering, aguarela ou pastel,  destaca-se uma linguagem Pop no tratamento de temas frequentemente satíricos da realidade social e política. Nos cartazes desse período, sente-se uma vontade de explorar diferentes soluções formais, através de experiências de composição e impressão; as influências externas, como Milton Glaser ou a técnica de serigrafia em íris usada por Peter Max nos seus cartazes do início dos anos 70, manifesta-se em cartazes como o do Ano Internacional da Criança (1979), mas não deixando de revelar um crescente amadurecimento de uma linguagem própria: estilo João Machado, que surge perfeitamente consolidado e, mesmo, depurado nos cartazes dos anos 90 (excelente exemplo o cartaz para a Câmara Municipal de Lamego de 1996).

A Exposição José Brandão Design Gráfico tem como núcleo expositivo o design editorial, selecionando perto de uma centena de livros, de carácter cultural (catálogos de exposição, monografias de artistas, arquitectos e designers) e comercial (relatórios e contas para a Fundação Calouste Gulbenkian ou Portugal Telecom). O livro permite identificar diversos recursos projectuais, explorados neste meio específico, que sob outras formas, mas partindo de uma mesma matriz criativa, encontramos explorados nos cartazes, selos, capas de discos ou desdobráveis. Mais do que colocar o foco neste ou naquele período de tempo, pretendeu-se remeter para um tempo do projecto, que se percepciona através das recorrências que se podem encontrar em trabalho feito em diversas décadas e apoiado em diferentes ferramentas técnicas analógicas ou digitais.

Da capa glaseriana de Por Este Rio Acima (1982), ao belíssimo livro (no qual Sebastião Rodrigues ainda colaborou) comemorativo dos 25 anos da Gulbenkian, Fundação Calouste Gulbenkian 1956-1981 (1983), da subtil lição de história de arte do desdobrável Queda e ascenção da estética clássica (1987) à força da linguagem directa do cartaz Cenas de uma Execução (1997) muitas são as direcções propostas pela obra de Brandão.

Se podemos começar por pensar em duas exposições autónomas, no espaço expositivo elas tendem a resultar numa só. Aqui a intenção curatorial concretiza-se no dispositivo comunicacional. A intenção curatorial parte da convicção, a que já aludimos, de que os mecanismos de display (mesmo associados à história ou à teoria) da história de arte não se adequam a tratar o trabalho de design. O projecto de design resultando de uma criação autoral caracteriza-se pela interferência de conjunto de outros elementos específicos (cliente, constrangimentos técnicos e materiais, prazos etc.) que se evidenciam mais correctamente através de um olhar comparativo.

As duas exposições resultam numa, igualmente, através de um conjunto de princípios comuns,  orientadores da exposição que se traduzem numa certa narrativa assente na reversibilidade entre projecto e processo, público e privado, e na própria reversibilidade entre um tempo lento (que permite a experiência, a produção de várias maquetes, os inúmeros testes de impressão) e um tempo rápido esteja ele ligado à execução do trabalho (o tempo do cliente, do designer e do público), esteja ele ligado à própria efemeridade dos objectos gráficos: flyers, cartazes e economato que deixam de ter função no momento em que a cumprem.

Esta é uma exposição que resulta do cruzamento de caminhos de duas exposições que apresentam trabalhos de dois nomes maiores do design gráfico contemporâneo. Esse cruzamento de caminhos, logo de formas de olhar e de dar a ver, permite situar, enquadrar, problematizar. Identifica e diferencia, numa celebração de dois nomes; numa celebração do design gráfico português.

Quente/Frio

O próximo número da revista PLI  tem por tema Hot&Cool. Neste confronto entre quente e frio evocam-se uma série de outras polaridades sejam elas ligadas ao contexto disciplinar do design – design quente vs. design frio; design autoral vs. design comercial; design moderno vs. design pós-moderno – sejam elas mais abrangentes – Sul vs. Norte; economia vs. finanças; ética vs. mercados; pobres vs. ricos etc.

Quente e Frio evoca, afinal, a crescente conflitualidade – geracional, corporativa, de classes – e a aparente indefinição do estado de coisas a surgir depois de ultrapassado o estado de crise das coisas.

O design talvez seja coisa menor; talvez perante os números do desemprego, a incompetência dos políticos, a crescente falência do estado, a ausência de formas de mediação forte, não haja razões para se falar de design; talvez temas como social design – assunto tão generalizadamente presente antes de rebentar a bolha – seja entretenimento burguês. Mas creio que não!

Na verdade, penso que hoje começa a existir em Portugal uma efectiva cultura do design que, mesmo que em doses variáveis, revela a existência de designers notáveis, de público, de alguns empreendedores e de alguma crítica. Em termos de mercado a situação é seguramente muito difícil. Se há uma ou duas décadas atrás existiam alguns bons clientes e muitos maus clientes, hoje simplesmente não existem clientes; o que não impede de haver bom design e isso é sintoma da força da disciplina malgrado a crise.

Para esta afirmação de uma cultura do design mais do que um protagonista deve ser evocado.

Em primeiro lugar, os designers. Hoje coexistem três, talvez mesmo quatro, gerações de designers com trabalho de muita qualidade; sobretudo no design gráfico, onde os projectos de iniciativa própria ou design pro bono surgem com mais facilidade, é estimulante perceber esta contemporaneidade de José Brandão e João Machado, de Jorge Silva e Pedro Albuquerque, dos R2 e de Pedro Falcão, de Joana&Mariana e de Sérgio Alves. O sucesso do evento World Graphics Day que organizo há três anos, tem comprovado essa qualidade.

Em segundo lugar, as escolas. Dou aulas de design há cerca de 15 anos; já leccionei ou colaborei com quase todas as escolas de design em Portugal – do Politécnico de Viana do Castelo à Universidade da Madeira, passando pelas Belas Artes de Lisboa e do Porto – e não tenho dúvidas da elevada qualidade, muito superior à que existia há uma década, de muitos cursos de design (ESAD, ESAD-CR, Politécnico de Tomar, Belas Artes de Lisboa entre outros).

Em terceiro lugar, a existência de prática crítica; traduza-se ela em projectos editoriais, curatoriais ou outros. Da Coleção D às Jornadas Cantianas diversas têm sido as iniciativas de valor que excelentes designers (como Jorge Silva e António Silveira Gomes) promovem à margem do seu trabalho de atelier.

Pela minha parte, tenho estado, igualmente, empenhado nesse esforço de fazer coisas em design. Em 2007, publiquei aqui no Reactor quase 200 posts; nos últimos dois anos publiquei, com este, apenas 20. Há para este facto mais do que uma razão,  sentir ser hoje menos importante a blogosfera como fórum democrático de divulgação, discussão e crítica – as redes sociais, por um lado, e novas formas de trabalhar os media tradicionais (livros, revistas) por outro, esvaziaram parte da utilidade dos blogues – mas sobretudo por estar, como talvez nunca, ocupado a fazer: exposições, publicações, workshops, uma série de projectos envolvendo velhos e novos amigos, catalisando interesses, explorando uma crescente economia de afectos.

Organizei o último número da PLI  em torno no mote do entusiasmo; no que ele envolve de ideológico e de emotivo, permaneço entusiasmado, ou se preferirem, inconformado; e como eu, muitos outros no campo do design em Portugal.

O mais recente número da excelente Coleção D a que, em bem hora, o Jorge Silva decidiu dar vida acaba de sair e é dedicado ao Pedro Falcão. O texto de apresentação é meu e foi um imenso prazer associar-me ao trabalho de um dos designers portugueses que mais admiro.

  É apresentado amanhã o livro Desenho da Escrita em Portugal. Três movimentos da Letra da autoria de Jorge dos Reis. Segundo o autor, esta obra em três volumes pretende determinar as três áreas artísticas que fazem uso da letra: a caligrafia, a poesia tipográfica e as artes plásticas. Dentro de cada uma destas áreas seleccionam-se quatro autores que possam revelar as estratégias tipográficas e caligráficas aplicadas no processo de construção da obra e que permitam um entendimento do desenho da escrita em Portugal.

O magnífico trabalho de João Machado está agora disponível para ser consultado em iPad. Contextualizando as imagens de dezenas de cartazes, onde se destacam inúmeros trabalhos recentes de grande qualidade, há um esclarecedor texto de Frederico Duarte.

Depois de anos a vermos as belas sardinhas desenhadas pelo Silva!Designers, as Festas de Lisboa lançaram este ano um concurso para seleccionar a sardinha/imagem das Festas de Lisboa 2012. E não houve família em Portugal que não tivesse um familiar ou amigo a concorrer com a sua, no total foram 3.526 as propostas.

No final, os vencedores foram o colectivo Matilha três profissionais do grupo Brandia e independentemente do mérito da proposta teria sido preferível se do júri que a seleccionou não fizesse, igualmente, parte um representante da Brandia. Assim foi pena!

Publicado pela QuidNovi com coordenação de João Paulo Cotrim é amanhã apresentado o livro Jogo da Glória - O Século XX mal visto pelo desenho de humor. Sabendo do peso do desenho humorístico na nossa ilustração gráfica esta pode revelar-se uma muito interessante aproximação à história do design em Portugal, bem a propósito, Mário Moura publica neste livro um ensaio que nos apresenta o seu próprio olhar sobre o design português do último século.

Entre a lista de livros que aguardam uma boa oportunidade para serem comprados encontra-se este maravilhoso Graphic design: visual comparisions que sendo obra de 3 notáveis designers revela a marca de um dos meus preferidos, Alan Fletcher, o autor do conhecido logo do V&A. Enquanto aguardo a melhor oportunidade para adquirir o Visual Comparisions, comprei recentemente este bonito  The Jazz Scene (1961) com capa do mesmo Alan Fletcher .

S.R.

Documentário - Sebastião Rodrigues from daniel sobreiro on Vimeo.

Manifesto pela Grécia

Num momento em que um em cada dois jovens gregos está desempregado, onde 25 000 sem-abrigo vagueiam pelas ruas de Atenas, onde 30% da população desceu abaixo da linha de pobreza, onde milhares de famílias são forçadas a dar os seus filhos para que estes não morram de fome e frio, onde novos pobres e refugiados disputam o lixo nos aterros sanitários, os “salvadores” da Grécia, sob o pretexto de que os “Gregos” não fazem um “esforço suficiente” impõem um novo plano de ajuda que duplica a dose letal administrada. Um plano que elimina o direito ao trabalho, e que reduz os pobres à miséria extrema, tudo isto fazendo desaparecer do cenário as classes médias.

O objetivo não deve ser o "resgate" da Grécia: sobre este ponto, todos os economistas dignos desse nome estão de acordo. Trata-se de ganhar tempo para salvar os credores conduzindo o país a uma falência em diferido. Trata-se sobretudo de fazer da Grécia um laboratório de mudança social que, num segundo momento, se generalizará a toda a Europa. O modelo experimentado nos Gregos é o de uma sociedade sem serviços públicos, onde as escolas, hospitais e centros de saúde caem em ruína, onde a saúde passa a ser um privilégio dos ricos, onde as populações vulneráveis são condenadas a uma eliminação programada, enquanto que aqueles que ainda trabalham são condenados a formas extremas de empobrecimento e precariedade.

Mas para que esta ofensiva do neo-liberalismo possa alcançar os seus objetivos, será necessário instaurar um regime que faça a economia dos direitos democráticos mais elementares. Sob a exigência dos salvadores, vemos instalar-se na Europa um governo de tecnocratas que desrespeita a soberania popular. Trata-se de um momento de viragem nos regimes parlamentares, onde vemos os "representantes do povo" dar carta branca aos especialistas e aos banqueiros, abdicando do seu suposto poder de decisão. De uma certa forma, trata-se de um golpe de Estado, que faz também apelo a um arsenal repressivo amplificado face aos protestos populares. Assim, quando os membros ratificaram a convenção ditada pela troika (União Europeia, o Banco Central Europeu e o Fundo Monetário Internacional), diametralmente oposta ao mandato que estes tinham recebido, um poder desprovido de legitimidade democrática terá comprometido o futuro do país por trinta ou quarenta anos.

Paralelamente, a União Europeia prepara-se para constituir uma conta bloqueada para onde será transferida diretamente a ajuda financeira à Grécia, para que esta seja usada unicamente ao serviço da dívida. As receitas do país devem ser consagradas como “prioridade absoluta” ao reembolso dos credores e, se necessário, pagas diretamente nessa conta criada pela União Europeia. A convenção estipula que todas as novas obrigações emitidas dentro deste quadro serão regidas pela lei inglesa, que envolve garantias materiais, enquanto que os diferendos serão julgados pelo tribunal do Luxemburgo, tendo a Grécia renunciado à partida qualquer direito de recurso contra uma tomada determinada pelos seus credores. Para completar o cenário, as privatizações serão confiadas a um fundo gerado pela troika, onde serão depositados os títulos de propriedade dos bens públicos. Em suma, é a pilhagem generalizada, característica própria do capitalismo financeiro que oferece aqui uma bela consagração institucional. Na medida em que vendedores e compradores se sentarão no mesmo lado da mesa, não duvidamos que esta tarefa de privatização seja um verdadeiro festim para os compradores.

Todas as medidas tomadas até agora não fizeram mais do que afundar a dívida soberana grega e, com o auxílio dos salvadores que emprestam a taxas exorbitantes, esta, literalmente, explodiu aproximando-se dos 170% de um PIB em queda livre, enquanto que em 2009 representava somente 120%. É provável que este grupo de resgate – sempre apresentado como “final” – não tenha outro propósito que o de enfraquecer ainda mais a posição da Grécia, de forma a que, privada de toda a possibilidade de propor ela mesma termos de uma reestruturação, seja reduzida a ceder tudo aos seus credores sob a chantagem de “a catástrofe ou a austeridade”.

O agravamento artificial e coercivo do problema da dívida foi utilizado como uma arma para tomar de assalto uma sociedade inteira. É com sabedoria que usamos aqui termos relevantes do domínio militar: trata-se de facto de uma guerra conduzida pelos meios da finança, da política e do direito, uma guerra de classe contra a sociedade inteira. E o espólio que a classe financeira conta arrebatar ao “inimigo”, são os privilégios sociais e os direitos democráticos, mas em última análise, é a possibilidade mesma de uma vida humana. A vida daqueles que não produzem nem consomem o suficiente, ao olhar das estratégias de maximização de lucro, não devem ser conservadas. Assim, a fragilidade de um país apanhado entre a especulação sem limites e os planos de resgate devastadores, torna-se na porta de saída por onde irrompe um novo modelo de sociedade adequado às exigências do fundamentalismo neoliberal. Modelo destinado a toda a Europa, e talvez até mais. Esta é a verdadeira questão e é por isso que defender o povo grego não se reduz a um gesto de solidariedade ou de humanidade abstrata: o futuro da democracia e o destino dos povos europeus estão em questão. Por todo o lado a “necessidade imperiosa” de uma austeridade “dolorosa, mas salutar” vai nos ser apresentada como o meio de escapar ao destino grego, enquanto esta por aí avança sempre em frente.

Perante este ataque persistente contra a sociedade, perante a destruição das últimas ilhotas da democracia, nós apelamos aos nossos concidadãos, nossos amigos franceses e europeus a exprimirem-se alto e forte. Não podemos deixar o monopólio da palavra aos especialistas e aos políticos. O facto de a pedido dos dirigentes alemães e franceses em particular a Grécia seja de agora em diante interdita de eleições pode deixar-nos indiferentes? A estigmatização e o denegrir sistemático de um povo europeu não merece uma resposta? Será possível não elevar a voz contra o assassinato institucional do povo grego? E poderemos nós permanecer silenciosos perante a instauração forçada de um sistema que proíbe a própria ideia de solidariedade social?

Nós estamos no ponto de não retorno. É urgente lutar contra a batalha dos números e a guerra das palavras para conter a retórica ultra-liberal do medo e da desinformação. É urgente desconstruir as lições de moral que ocultam o processo real posto em prática na sociedade. Torna-se mais do que urgente desmistificar a insistência racista sobre a “especificidade grega”, que pretende fazer do suposto caráter nacional de um povo (preguiça e astúcia à vontade) a causa primeira de uma crise, na realidade, mundial. O que conta hoje não são as particularidades reais ou imaginárias, mas as comuns: o destino de um povo que afetará todos os outros.

Muitas soluções técnicas têm sido propostas para sair da alternativa “ou a destruição da sociedade ou a falência” (que quer dizer, vemo-lo hoje: “e a destruição e a falência”). Tudo deve ser tido em conta como elemento de reflexão para a construção de uma outra Europa. Mas primeiro, é necessário denunciar o crime, trazer à luz do dia a situação onde se encontra o povo grego devido aos “planos de ajuda” concebidos por e para os especuladores e os credores. Num momento em que um movimento de apoio se tece em todo o mundo, onde as redes sociais emitem iniciativas de solidariedade, serão os inteletuais franceses os últimos a elevar a sua voz pela Grécia? Sem mais demora, vamos multiplicar os artigos, as intervenções nos media, os debates, as petições, as manifestações. Porque toda a iniciativa é bem-vinda, toda a iniciativa é urgente.

De nossa parte, eis o que propomos: formar rapidamente um comité europeu de intelectuais e artistas pela solidariedade com o povo grego que resiste. Se não formos nós, quem será? Se não for agora, será quando?

Vicky Skoumbi, editora chefe da revista «Alètheia», Athènes, Michel Surya, diretor da revista «Lignes», Paris, Dimitris Vergetis, diretor da revista «Alètheia», Athènes. E: Daniel Alvara, Alain Badiou, Jean-Christophe Bailly, Etienne Balibar, Fernanda Bernardo, Barbara Cassin, Bruno Clément, Danielle Cohen-Levinas, Yannick Courtel, Claire Denis, Georges Didi-Huberman, Roberto Esposito, Francesca Isidori, Pierre-Philippe Jandin, Jérôme Lèbre, Jean-Clet Martin, Jean-Luc Nancy, Jacques Rancière, Judith Revel, Elisabeth Rigal, Jacob Rogozinski, Hugo Santiago, Beppe Sebaste, Michèle Sinapi, Enzo Traverso.

22 de fevereiro de 2012.

Tradução para português de Alexandra Balona de Sá Oliveira e Sofia Borges

Estado Precário

No Carga de Trabalhos surgiu recentemente este surpreendente anúncio em busca de um estagiário profissional. 

Não sendo uma nova profissão, ser um estagiário profissional parece tornar-se uma condição profissional, uma das muitas formas de precariedade laboral, nos tempos que correm.

Sem grande esforço, uma análise (tarefa penosa!) aos actuais discursos político-partidários e, em particular, governativos, faz-nos perceber que existe um esforço em construir um discurso justificativo da actual situação, em criar uma certa cultura da resignação, da aceitação da inevitabilidade e, falso argumento tantas vezes usado, da imprevisibilidade da crise.

Expressões como Flexibilidade tornaram-se, em linguagem hipócrito-eufemística, sinónimos de precariedade. O Estagiário Profissional é um bom exemplo do contexto laboral flexível que muitos avançam ser inevitável aceitarmos.

Hoje, Cavaco Silva dá início ao Roteiro da Juventude, dedicado ao Empreendedorismo. Poucas palavras conheceram mais rápida banalização e esvaziamento do que a palavra empreendedorismo. A valorização do empreendedorismo tal como ela é feita nestas acções políticas é, em tudo, contestável. Elogiar o empreendedorismo não é, afinal, senão outra forma de credibilizar a precariedade.

O entusiasmo com que se olha para um licenciado em biologia marítima que agora gere o café que era do pai, para dois arquitectos que têm uma empresa que organiza casamentos, ou dois advogados que montaram um negocio de venda de croquetes, não vai além da cínica distribuição de pancadinhas nas costas, típicas da acção política mais débil, da desresponsabilização política, da pactuação com o desenrascanço perante a incapacidade de criação de verdadeiras oportunidades.

OUTLETS DE DESIGN

Em 2006 quando é criado o Coconut Jam, confesso que para mim não ia muito além de um exercício lúdico visitar aquele (e como aquele outros) blogues de links, muito mais interessado que estava em encontrar na blogosfera a possibilidade de ler, por vezes com significativo aprofundamento, textos críticos sobre design. Essa possibilidade era real desde a criação do Speak Up em 2002, reforçada, com o Design Observer (2003) e o Ressabiator a partir de 2004.

Na viragem da década, eram diversos os sinais de que uma vaga sensação de omnipresença da crítica do design, reivindicada no título de inúmeros artigos, conferências, cursos e seminários, talvez anunciasse a rápida aproximação da crise da crítica do design, dessa crise o fim do Speak Up (2009) e a lamentável desfiguração do  Design Observer foram, simultaneamente, causa e efeito.

Com a gradual tendência de se substituir, em muitos círculos, a palavra “crítico” pela palavra “curador”, foi sem surpresa que, coincidindo com o fim dos blogues de crítica, se tenham multiplicado o aparecimento de sites e blogues de links agora apresentados como espaços curatoriais.

A moda terá sido consolidada pelo sucesso do Manystuff e do It’s Nice That, ambos criados em 2007. Nos dois casos, tratam-se de outlets de informação sobre design gráfico, reenviando para projectos seleccionados com peneira relativamente larga e sem um particular enquadramento crítico.

O sucesso destes outlets não deixou de seduzir os mais insuspeitos, recorde-se, a título de exemplo, a criação do Grandes Armazéns do Design por Mário Moura no final de 2008.

No contexto português, Eurico Sá Fernandes soube associar-se a esta tendência com a criação do Collher, mas neste caso o papel do curador era muito mais vincado, desde logo na definição muito objectiva do perfil do trabalho exposto - trabalhos de ilustração de jovens designers portugueses - o que convertia o Collher, longe de se resumir a mais um site de links, num meritório espaço de publicação da jovem ilustração portuguesa.

O site Collher permitiu alimentar outros projectos, como a actual loja on-line, uma exposição e, em particular, a publicação Colher Portuguese Illustration, impecável zine impressa risograficamente, apresentando trabalhos de designers/ilustradores que haviam sido divulgados no site como Mariana, a miserável , Marta Veludo  ou Inês Nepomuceno, na sua maioria jovens criadores formados pelas Belas Artes do Porto ou pela ESAD de Matosinhos.

Já depois do Colher, apresentando um leque de escolhas mais diversificado, surgiram O Fluxo  de Nuno Patrício e Marquês de Paulo Lopes.

Para além de uma escolha, que me parece criteriosa, de projectos ligados ao design gráfico, com a preocupação de, de forma breve, os enquadrar, é também de elogiar a preocupação com a produção de conteúdos próprios, com destaque para as entrevistas.

Actualmente, o sucesso destes grandes armazéns é evidente, basta verificar o número de visitantes de sites como o também português We Celebrate, para além dos conhecidos Qompedium, Crap Is Good, Qualité Graphique Garantie ou God Make Me Funny.

Hoje, como em 2006, contínuo mais interessado em ler revistas e em visitar sites que me ofereçam textos críticos e menos interessado naqueles que oferecem apenas divulgação. Dito desta forma, interesso-me muito mais pelo que se publica no e-flux do que com o que (agora) se publica no Design Observer.

No contexto português, é com muito entusiasmo que vejo surgirem sites como Marquês e O Fluxo, espaços muitíssimo competentes de divulgação, mas desejando que esses espaços possam co-existir com outros que nos ofereçam outro tipo de abordagem, mais aprofundada, tão preocupada com a actualidade como com a história, tão capaz de informar como de problematizar.

O DESIGN NO VIRAR DA DÉCADA

1. O Design Pós-11 de Setembro

 A cultura do design da primeira década do Século XXI caracterizou-se pela substituição do modelo do design como estética da produção pelo modelo do design como prática de mediação, actualizando através dos recursos contemporâneos, estratégias e valores que haviam marcado o campo artístico e o seu envolvimento cultural nos anos 1970: participação, comunidade, performance, mobilização, envolvimento sócio-político.

 A tendência para uma crescente politização e responsabilização social do design, sentida desde o final dos anos 1990, sobretudo após a publicação do manifesto First Things First 2000, conheceu uma reorientação após o abalo global gerado pelo 11 de Setembro. A ideia de design crítico, que até então era frequentemente associada a estratégias de subversão e guerrilha, típicas de colectivos como os Adbusters, próximas de movimentos activistas ambientalistas ou anti-globalização, deu lugar a um paradigma mais integrado e solidário de design, que entretanto havia substituído o No Logo de Naomi Klein pelo Relational Aesthetics de Bourriaud como cartilha orientadora.

Uma das reflexões que marcam essa mudança, foi publicada por Stefan Sagmeister, na Typotheque, pouco tempo depois do ataque às Torres Gémeas com o título How Good Is Good?.

Sagmeister considerava que “Em Setembro o design sentiu-se impotente e frívolo. Não há nada inerente à nossa profissão que nos obrigue a defender boas causas, a promover boas acções, a evitar a poluição visual. Haverá eventualmente tal responsabilidade em algumas pessoas. Em Agosto, quando reflectia sobre o sentido da minha vida, as razões que justificavam levantar-me todas as manhãs, eu teria apontado as seguintes: 

1. Strive for happiness
2. Don’t hurt anybody
3. Help, other achieve the same

Agora altero essas prioridades:

1. Help Others
2. Don’t hurt anybody
3. Strive for happiness

Esta alteração de prioridades e as decorrentes alterações de estratégia, procedimentos e resultados do trabalho em design foram evidentes ao longo da década que agora termina, a década da altermodernidade, diria Bourriaud e subscreveriam muitos designers cujo trabalho marcou os últimos anos – Dexter Sinister, Abake, Superflex, Project Projects, Daniel Eatock, Will Holder para citar alguns, ligados ao campo do design gráfico, de uma extensa lista.

Com este novo paradigma alterou-se o modus e o locus do design. O novo modus impôs conceitos como: relacional, colaborativo, generativo, pós-digital; o novo locus orientou o design para novos espaços: as redes socais e as galerias. Ao hibridismo de inovação tecnológica dos anos 1990 sucedeu o hibridismo de inovação social dos anos 2000, impondo uma nomenclatura que remete para a ideia de mediação, negociação ou fusão: prosumidor, catalisador, superprodutor.

Peer to Peer torna-se – na década das homepages, blogues e comunidades online – uma maneira antiquada de descrever um fenómeno novo: o facto de todas as pessoas serem o potencial par de todas as outras, de estarem ligadas intersubjectivamente em vez de estarem ligadas hierarquicamente através das redes de mediação institucionalizadas tradicionais, como Max Bruinsma afirmava neste contexto “o design já não pode ser visto como algo de ‘objectivo’, deve ser entendido como o ‘sedimento das interpretações’”.

2. Obama enquanto design

Também o design conheceu o seu efeito Obama. Em cima da eleição de Barack Obama para presidente, o primeiro afro-americano da história, dos Estados Unidos da América, Umair Haque, Director do Havas Media Lab da Harvard Business School, o principal guru do chamado Marketing 2.0, publicou um artigo intitulado “As Sete Lições de Obama para os Inovadores Radicais”.

Obama surgia como modelo da ideia, largamente teorizada por Haque, da inovação radical baseada em princípios de participação, co-design e espírito comunitário. Se de Obama designers e maketeers recolheram ensinamentos, também Barak Obama lhe pode estar grato pelo modo como Sheppard Fairey e outros designers contribuíram para a criação de uma identidade icónica de Obama; no final a eleição e a celebração da eleição tinha menos a ver com o homem  eleito e mais a ver com aquilo que ela, real ou virtualmente, representa e, por isso, no fim percebia-se que afinal Obama fora sempre, também, um projecto de design. Um projecto de design que podia ser caracterizado com muitas das palavras-chave da década: DIY (Design It Yourself); Mobs (Mobilizador de Massas); relacional, social e político.

3. Tendências para a próxima década

No design, como em muitas outras áreas, os tempos estão de feição para que em relação a qualquer previsão de tendências uma certeza se possa, previamente, ter: tudo o que se preveja realizar-se-á mas não exactamente do modo previsto.

Os próximos anos irão seguramente comprovar a crescente importância, no campo do design, do museu e da figura do curador.  Curadores como Paola Antonelli, Steven Heller ou Andrew Blauvelt assumem actualmente um crescente protagonismo na definição de tendências projectuais. Algumas instituições de ensino já se aperceberam disso, a Kingston University oferece, desde 2002, uma MA em Curating Contemporary Design, outras se lhe seguirão.

A colaboração entre instituições de ensino e museus e galerias talvez seja capaz de gerar, nos próximos anos, uma nova identidade do trabalho em design e contribuirá para a renovação do próprio ensino projectual. Neste sentido, uma das curiosidades em relação aos próximos anos passa por perceber de que forma, em Portugal, as grandes instituições culturais (Fundação de Serralves, Fundação Calouste Gulbenkian, Culturgest, Museu Berardo, Museu do Chiado, Museu do Neo-Realismo entre outras) vão reforçar a sua aposta (timidamente iniciada na última década pela Culturgest através dos esforços de Miguel Wandschneider) no design, de que forma o MUDE – Museu do Design e da Moda terá capacidade para impor uma estratégia curatorial forte, de que forma a Experimentadesign terá criatividade para renovar o seu papel catalisador da cultura do design portuguesa, de que forma, enfim, estas instituições poderão criar novos conteúdos, públicos e visões para o design.

São igualmente previsíveis uma série de contra-tendências relativamente ao que dominou, pelo menos em parte, esta primeira década do Século: a crise dos blogues e o regresso do papel, da self-production e do universo zine; o ressurgimento de formas de mediação institucional e o regresso de uma conflitualidade que resulta, por um lado do que esgotamento de utopias que dominam a última década (crescente comercialização e banalização dos valores sociais, ecológicos etc.) e, por outro lado, da necessidade de um novo design industrial, mais estrutural, capaz de suceder a uma realidade mais difusa imposta pela explosão das indústrias criativas. Se se quiser, o regresso à velha indústria, depois destes anos de gozo e choro sobre a nova realidade pós-industrial.

Acredito, enfim, que o design enfrentará, nos próximos anos, mais um starting from zero, que não sendo verdadeiramente um começo nem sendo propriamente a partir do zero, contribuirá para a renovação do design. Se nos primeiros anos da próxima década, é previsível que a identidade dos projectos se faça por uma demarcação em relação à herança anterior (ouviremos falar de pós-digital, pós-relacional, pós-crítico, pós-social, pós-local), será apenas uma questão de tempo para que as práticas (e as teorias que as apresentam) assumam identidade própria, ouviremos, então, falar em design resiliente, universalidade popular; processos de design paralelo; sindicância, beta perpétuo e noutras tantas noções que aguardam ainda o seu dia de invenção.

Nota: Artigo inicialmente publicado na revista Artes&Leilões, nº25, Março/Abril de 2010.

 

Relaciono-me bem com o que não chegou a acontecer. Nos últimos dois anos diversas foram as possibilidades de projectos associados ao Reactor. Algumas concretizaram-se, outras estiveram na iminência de se concretizarem, outras terão sido apenas adiadas: um livro reunindo uma selecção de textos ou uma publicação anual reunindo conteúdos novos e outros aqui publicados. No meio dessas ideias, produziram-se coisas que nunca chegaram a ser aplicadas. Como este banner desenhado pelos excelentes Exóticalia.
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Teremos oportunidade de falar melhor nisto. A Graphis premiou recentemente três designers portugueses: Sérgio Alves na categoria Cartaz; João Machado na categoria Livro; enquanto Eduardo Aires conquistou o Graphis de Platina pelo design de embalagem de uma aguardente da Esporão.
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À Graphis fica a sugestão para um possível premiado no próximo ano, o muito interessante livro Eduardo Souto de Moura Atlas de Parede. Imagens de Método, desenhado por João Faria.
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Souto de Moura que iniciou recentemente o seu Ciclo de Aulas na FAUP, mensalmente às segundas. Dia 19 de Março, Siza.
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Falando em Ciclos, entre os actuais, um dos meus preferidos aproxima-se do fim. Mas em Facing Forward – Art Theory From a Future Perspective, mas ainda há tempo para assistir a Hans Belting e Iwona Blazwick discutirem o Futuro Museu (8 de Março), Rem Koolhaas a projector a Cidade Futura e o estimulante Homi K. Bhabha a pensar o Futuro do Futuro. A imagem do evento é da autoria de Felix Weigand.
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Expectativas altas, muito altas, paras as as Jornadas Cantianas. Paulo Cantos debatido (na Oporto, dias 16 e 17 de Março) por Massin, Robin Fior, Olga Pombo, Jan Middendorp, Uta e Thilo von Debschitz. Por todas as razões (mas pessoalmente por Thilo von Debschitz e por Robert Massin) imperdível.
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Expectativas altas, para a próxima PA/PER VIEW, terá lugar em Bruxelas (a minha cidade do momento) entre 23 e 25 de Março. Espero lá estar com o 2º número da PLI.
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Não sei se estará à venda na PA/PER VIEW, eu recebe-lo-ei em breve (assim os Correios não falhem). Do que vi e do que sei, o livro nas mãos não defraudará, falo do catálogo Theatre of Hunters de Pedro Barateiro.

Em Progresso

Na próxima sexta-feira, dia 13 o ciclo ESAD TALKS apresenta na ESAD Charlotte Cheetham a fundadora do site Manystuff e, possivelmente, principal responsável por um certo circuito de produção ligado aos processos editoriais e curatorias.

A apresentação, intitulada, In Progress integra-se num pequeno evento sobre práticas editorias/curatorias (antecipando a Pós-Graduação em Curadoria Contemporânea a iniciar em Fevereiro), articulando situações formais e informais, que terá lugar nos dias 12 e 13, envolvendo uma Conversa sobre Livros, Revistas e Múltiplos (dia 12, 17H), apresentação de Design Readers (dia 13, 15H), para além de situações de conversa e jantar convívio.

No final da próxima semana acredito que vai valer a pena estar pela ESAD de Matosinhos.

O Futuro Depois do Fim do Futuro

Há umas semanas assisti a uma excelente apresentação onde o designer Luís Moreira recordava o projecto da revista Oceanos.

Aquela publicação que, entre outros aspectos, pelo seu grande orçamento era já na altura (que alguém caracterizou de época de ouro do design português) um caso à parte seria hoje e se-lo-á com muita certeza na próxima década (a não ser com investimento chinês) impossível de repetir.

A Direção-Geral das Artes (DGArtes) não tem, de momento, prevista a abertura do seu concurso anual nem do concurso de apoio a projetos pontuais. Em 2012 assumidamente o estado vai provocar a extinção de pequenas estruturas e reduzir a uma existência mínima quase todas as outras.

O cliente cultural que proporcionou o espaço mais interessante de criação e afirmação do design português contemporâneo praticamente desaparece. Regressando-se a um cenário semelhante ao do pré-25 de Abril de marcada ausência de pluralidade.

A deslocalização massiva das empresas portuguesas que não começou e que não terminará com a Jerónimo Martins (a EDP Renováveis tem sede em Madrid; o Grupo Espírito Santo no Luxemburgo; Isabel dos Santos investe na Zon a partir de Malta; Belmiro lançou a OPA à PT a partir da Holanda) talvez tenha como consequência a contratação de designers estrangeiros por parte dos Pingos Doces ou Continentes.

Que consequências terá este avançar do deserto? Parece previsível que o actual contexto contribua para a continuação da afirmação dos processos auto-produtivos e para o estimular do envolvimento dos designers como formas (e formatos) de criação para os quais estariam menos treinados mas que, razões orçamentais e ideológicas, parecem ser inevitáveis: a escrita, a exploração de processos artesanais e auto-geridos, a evolução dos suportes mais democráticos para um objecto mais complexo (os múltiplos).

Uma crise, qualquer crise, significa sempre um baralhar das cartas, uma redefinição das regras do jogo, logo uma nova disposição dos jogadores, ou pelo menos de grande parte deles, face à mesa . Esta realidade, muitíssimo preocupante para empresas de média dimensão (a Novodesign foi vítima de uma mudança da conjectura sócio-económica), permite por outro lado espaço de afirmação para jovens designers.

O desemprego entre designers vai aumentar, mas o desemprego já era uma realidade. O que o esgotamento do mercado torna não só evidente como inevitável é a necessidade da construção de um mercado alternativo.

Esse é o espaço de oportunidade para afirmação de novos designers. Um pouco como sugere Franco Berardi Bifo este vai sendo o tempo de pensarmos o futuro depois do fim do futuro.

Frankenstein 2.0

A minha primeira compra do ano foi esta edição do clássico Frankenstein de Mary Shelley, uma versão da Fathom de Ben Fry que é todo um exercício tipográfico de exploração das potencialidades freak das fonts incompletas que se encontram nos documentos PDF’s.

DOIS MIL E ONZE

O artigo que o Ípsilon hoje publica, antevisão possível do panorama cultural português em 2012, questiona, sob o título d’”O ano de todos os perigos”: E se não houver IndieLisboa? E se o teatro e a dança independente se desprofissionalizarem? E se o cinema português acabar no “era uma vez”? E se Paulo Furtado só tiver o estrangeiro? E se a FNAC sair de Portugal? E se o Teatro Viriato deixar de ser do mundo para voltar a ser da província? E se a cultura portuguesa estiver condenada a ser “low-cost” para sempre?

O ano de 2011 torna crível qualquer cenário. Em ano de recessão e protesto, de disforia e inquietação, o contexto do design não deixou de reflectir a conjuntura, sinais positivos surgiram em paralelo a outros mais preocupantes.

Souto Moura ganhou o Pritzer e no dia em que recebeu o prémio das mãos do Presidente dos Estados Unidos disse que “Hoje, como ontem, a solução para a arquitectura portuguesa é emigrar.” À falta de melhores políticas, Passos Coelho pegou na deixa. Centenas de designers, na sua maioria recém-licenciados perceberam a ausência de alternativas e deixaram Portugal.

Os melhores livros (O Retorno de Dulce Maria Cardoso) e filmes (Sangue do Meu Sangue de João Canijo) que surgiram neste ano não deixavam de andar em torno desta pesada realidade de sempre, que há força de se repetir se torna condição ontológica da nossa identidade.

Entre pedido de ajuda externa e extinção do Ministério da Cultura, relegado a Secretaria dirigida por um pouco entusiasmante secretário de estado, a palavra mais ouvida nos últimos 12 meses sentiu-se em particular na produção dos estúdios de design. Olhando para o que foi produzido o ano não foi particularmente estimulante, notando-se uma menor visibilidade de João Faria e trabalhos interessantes dos suspeitos do costume, Martino&Jaña especialmente.

As conversas corporativas andaram ocupadas com a possibilidade de criação de uma Ordem dos Designers, ideia que, até prova em contrário, não me suscita grande entusiasmo. Ao mesmo tempo, por culpas várias, a crise do CPD acentuou-se, 2012 poderá marcar a sua extinção ou profunda remodelação.

Com o passar dos meses Guimarães 2012 foi confirmando as piores expectativas, desorganização, gestão duvidosa, pouca capacidade de envolvimento de criadores e programadores nacionais. Da anunciada Bienal de Viana do Castelo mais nada se ouviu. De destinos menos prováveis como Paredes e S. Tirso chegaram, enfim, boas surpresas.

Guta Moura Guedes assumiu algum protagonismo mediático na defesa da economia criativa e das potencialidades do design em tempos de crise. Mas terão sido mais as vozes que as nozes. Mostrando habilidade em entender os sinais dos tempos (e dos mercados) empresas como A Boca do Lobo consolidaram a sua presença internacional, através de projectos elitistas e extravagantes como o polémico cofre em ouro.

Na viragem para a segunda década do século, dois dos principais leitmotivs da década anterior – o design social e a crítica do design – perderam claramente força.

A crítica do design que havia sido impulsionada pela energia da blogosfera vinha mostrando sinais menor competência que se evidenciaram em 2011, através da degradação do Design Observer ou na anunciada extinção do MA em Design Writing and Criticism da London College of Communication.

Face à crise dos blogues de design, uma clara excepção: a energia manifestada por Mário Moura no seu Ressabiator.

Em ano de Experimentadesign, 2011 parece-me ter tido três protagonistas: Fernando Brízio consagrado na boa exposição Desenho Habitado; Jorge Silva responsável pela Coleção D  (um dos projectos editoriais do ano) e o já referido Mário Moura pela produção dentro e fora (nomeadamente o ciclo de conferências na Culturgest) do seu blogue.

Mais do que os estúdios de design, foram as escolas a contribuir para alguma actividade. O Politécnico de Tomar revelou a existência de massa crítica com uma óptima edição do ARTEC, de Coimbra e de Aveiro vieram, igualmente, boas intenções. No Porto, a ESAD prosseguiu uma programação ambiciosa, enquanto das Belas Artes eventos como a Feira de Publicação Independente ou a segunda edição do Close Up consolidavam méritos de jovens designers-editores-curadores como Ana Simões ou Márcia Novais.

Mesmo arriscando-me a ser juiz em causa própria, diria que outros destaques do ano passam, necessariamente, pela abertura da Galeria Quadra, espaço de referência para a programação de design, onde se exibiram já três excelentes exposições (Isidro Ferrer, David Carson e Maria Gambina) e para um conjunto de novos eventos produzidos pela ESAD em particular o Books Make Friends e a maratona de excelentes apresentações do World Graphics Day, talvez o evento nacional do ano.

Num ano marcado por uma certa euforia em torno da edição, tendência que vinha de anos anteriores, foram acontecendo feiras em Lisboa e Porto e surgiu, finalmente, uma revista de design, a Pli Arte&Design cujo segundo número será lançado no início de Janeiro.

Para além da já referida Coleção D, cujo volume dedicado a Pedro Falcão será publicado em breve, referencia também para a Coleção Arquitectos Portugueses que a QuidNovi publicou com o Público.

O ano permitiu ainda ver algumas boas conferências como a de Gillo Dorfles no IADE (em Outubro) ou George Hardie a fechar o ano na ESAD, mas sem a mesma energia de anos anteriores (sente-se a falta dos Personal Views).

O próximo ano promete ser ainda marcado por alguma dinâmica editorial e curatorial. Ao protagonismo de alguns curadores portugueses (Miguel Amado na TATE e a notícia, a fechar o ano, de Pedro Gadanho no MoMA) associar-se-á no início do ano o primeiro curso de Curadoria Contemporânea promovido pela ESAD em colaboração com Serralves e a Experimentadesign do qual se esperam bons resultados.

O ano promete arrancar forte com a conferência de Charlotte Cheetham do Manystuff  no próximo dia 13 na ESAD.

Que seja o prenúncio de um ano de forte reacção à crise!